Este Blog trata sobre todo aquello que concierne a la música de un modo u otro: los artistas, las orquestas, las grabaciones, los reproductores, los instrumentos musicales, los aparatos de escucha, los Auditorios y Teatros, etc.
Lola Flores nace como artista en el Jerez de la Frontera de la dura posguerra, dentro de una España en blanco y negro, cartillas de racionamiento y estraperlo. Sus raíces se encuentran ahí. Un mundo de taberna, vino y flamenco bronco, de fiesta de señoritos, cortijo y gitanos, donde la mujer quedaba relegada siempre a lo marginal, a lo prohibido.
Pronto hará de la necesidad virtud, y verá en esos ámbitos tan adversos una oportunidad para brillar con luz propia y crearse un nombre en el mundo del espectáculo, pues “bailando, oro de ley… esa llega a donde quiera”, tal y como escribe Caballero Bonald sobre uno de sus personajes en Dos días de setiembre.
Lo hace como telonera en la compañía de Custodia Romero y Melchor de Marchena en su espectáculo de variedades Luces de España, en una función que se anunciaba como gitanería. Todo ello ocurre el 10 de octubre del 1939, recién terminada la guerra civil. Comienzan los “cuarenta años de paz” del régimen; en realidad, la terrible posguerra. Lola Flores solo tenía dieciséis años.
En ese preciso momento, Lola Flores comienza a crear su propio personaje dentro y fuera de los escenarios. Para ello se sirve de Manolo Caracol, uno de los mejores cantaores flamencos de su tiempo, y sus famosos romances escénicos Zambra (1944-1949) de Quintero, León y Quiroga, unos espectáculos líricos donde se combinaban copla, flamenco y variedades, una especie de musical de Broadway pero a la española.
Poco antes ya había triunfado con El Lerele, de los maestros Currito y Genaro Monreal de 1941, otra exótica copla-zambra más o menos ocasional que en su particular interpretación consiguió llamar la atención de empresarios, públicos y otros artistas: “De pronto, más que una cantaora-bailaora, un huracán, una gran artista flamenca nos dejó pasmados. No se olviden de este nombre: Lola Flores”, según el crítico teatral de Informaciones.
Pero lo hacía con un sentido pasional de la copla, una expresividad muy naturalista, una interpretación presidida por la impostura de una exuberante sexualidad y una modernidad que desafiaba la moral del régimen. Algo así como una manera “neorrealista” de teatralizar el cante y el baile, que será su marca personal hasta el final.
Porque la Salvaora –otro de sus apodos– supo dar cuerpo y vida a todas esas historias de la copla de una manera muy singular. Historias de un pasado oscuro de madres solteras y amantes abandonadas al alcohol que se repiten una y otra vez en La Parrala, La Lirio, La Ruiseñora, La Lola, Elvira la cantaora, flamencas todas con “sus volantes enredados entre espinas”. Mujeres de mala vida y condición –Ojos verdes, Tatuaje, Yo soy esa, Rosa la de los lunares– que parecían desafiar un mundo único de hombres.
Lola Flores cantando ‘Ay, pena, penita, pena’, compuesta por Quintero, León y Quiroga, en la película homónima de 1953.
Eran protagonistas de historias que recordaban la larga estirpe de la maldita y rebelde Lilith –la primera compañera de Adán antes de Eva–, aquella figura legendaria, libre e indomable de la mitología antigua y el folclore judío. Ejemplos de otra moral que siempre se habían expuesto como el canon de la perversidad femenina.
La presencia escénica de Lola Flores, además de su vida personal, tenía mucho de todo aquello: “porque también era anécdota picante –afirma Terenci Moix– que llenó la pudibundez de la posguerra con leyendas pasionales de una temperatura considerable”. Ella representaba la sociología de Petenera, según Francisco Umbral: esa mujer empoderada de ancestros flamencos transformada ahora en fetiche de sí misma.
La Niña de Fuego
La Zarzamora fue una de sus interpretaciones-creaciones más genuinas. En la pieza musical, casi autobiográfica, creada por Quintero, León y Quiroga ex profeso para ella, se entremezclaba ficción y realidad en torno a una pasional flamenca, un amor imposible y una fatalidad “entre parmas y alegría”.
Esta copla, en ritmo de marcha y con una teatralidad desbordante, cuenta un trágico argumento en torno a una cantaora “que siempre reía / y presumía de que partía los corazones” de sus amantes, pero que enloquece víctima de un amor no correspondido. Con gran fuerza descriptiva y una rápida dramatización, a veces expresionista y otras impresionista, alude metafóricamente a su condición de mujer “traidora” cuyos misteriosos ojos se comparaban con los frutos rojos con espinas característicos de la zarzamora:
Se lo pusieron de mote porque disen que tenía
los ojos como la mora.
También destaca la metáfora religiosa y emocional de la Vía Dolorosa y del color morado, color litúrgico de cuaresma, abnegación y sacrificio –“que la trae y que la lleva / por la calle del doló”–. Se remite aquí al calvario y sufrimiento de la protagonista como si de un nuevo Cristo en versión femenina se tratara. Esto simboliza a modo de tragedia griega el desenlace inevitable. La historia condenaba a la protagonista, sin posibilidad de regeneración, a la condición de mujer fatal, pues su amante “lleva anillo de casao”.
Lola Flores cantando ‘La Zarzamora’ en la película La hermana Alegría, de Luis Lucia, 1954.
En resumen, un personaje y un folletinesco relato de amor imposible y moralizante desenlace final. Una barroca y castiza estampa de prostitución más o menos encubierta ubicada en “er Café de Levante” que sirve para dibujar esta mujer fatal made in Spain que tan bien representaba la artista de Jerez frente a los otros modelos de la mujer natural según la época –esposa, madre, sumisa y abnegada–.
La impostura, la belleza ojerosa y el cuerpo provocativo de la Niña de Fuego desafiaban todo aquello que, fuera del teatro, se predicaba desde las mentes pensantes del franquismo y la recatada sociedad civil.
La canción de Shakira y BZRP ha alcanzado 100 millones de reproducciones en YouTube en tres días (y subiendo); ha sido portada en periódicos y ha abierto telediarios; ha roto récords en Spotify y se ha convertido en el tema de conversación omnipresente. El periodista Jordi Évole reclamaba incluso que el gobierno español declarase un día festivo para poder debatir la canción tranquilamente, sin tener que prestar atención al trabajo.
Distintos medios de comunicación se han hecho eco de un gran número de canciones de despecho amoroso, cantadas tanto por hombres como por mujeres. Así, Shakira se une a nombres de tanta solera como Raffaella Carrà, Rocío Jurado, José Luis Perales, María Jiménez o Paquita la del Barrio. Sin embargo, esta larga tradición se remonta mucho tiempo atrás… hasta los antiguos griegos y romanos.
De la ‘monotonía’ a Catulo
Lesbia y su gorrión, de Sir Edward John Poynter. 1907.Wikimedia Commons
Shakira ha dedicado varias canciones con elementos autobiográficos al amor y a la ruptura. Es lo que podríamos denominar un ciclo. Algo parecido encontramos en la poesía amatoria de la Antigüedad. El poeta romano Catulo también reflejó en su poesía las distintas fases de su relación amorosa con Lesbia (pseudónimo de Clodia). Veamos algunos paralelismos.
La canción Te felicito, que incluye tópicos amatorios de origen clásico como la herida de amor (vulnus amoris) y la ceguera de amor (caecus amor), se centra en el desengaño amoroso, con el juego entre apariencia y realidad. En su poema 72 Catulo también se refería al verdadero yo de su amada (nunc te cognovi, “ahora ya sé cómo eres”).
Monotonía es una auténtica renuntiatio amoris (un poema de ruptura amorosa), que recuerda al poema 8 de Catulo. Hay un contraste entre la felicidad pasada (“lo que un día fuimos”, en el caso de Shakira; “brillaron para ti un día soles luminosos”, en el caso del poeta romano) y el momento presente (“ya no hay na”/“ahora ella ya no quiere”).
En ese momento del ciclo amoroso de la ruptura todavía hay lucha interior entre el amor y la razón. El poeta se habla a sí mismo, animándose a mantenerse firme, y se despide de la amada (“adiós, muchacha, ya Catulo se mantiene firme”). En Monotonía también hay lucha entre amor y razón. La artista colombiana reconoce que aún sigue enamorada (“yo te quiero”), pero que es “un adiós necesario”.
Videoclip de ‘Monotonía’, de Shakira.
La última entrega de Shakira da un paso más: “Del amor al odio hay un paso”, dice la cantante. Pero ya lo dijo Catulo de forma más resumida en su memorable Odi et amo:
Odio y amo. Por qué hago esto, quizá preguntas.
No lo sé, pero siento que es así y me torturo.
El poeta también se lanzó al ataque directo y virulento a su amada, acusándola de promiscuidad (poemas 11 y 58).
También el poeta Propercio se venga de la infidelidad de Cintia (de nuevo, un pseudónimo) en su elegía II 5. En las elegías III 24 y 25 anuncia el fin de la relación. Otra vez encontramos el contraste entre el pasado y el presente; la despedida y la invectiva –es decir, el discurso violento contra ella– (esta vez en forma de advertencia sobre los estragos de la edad). Tampoco el rival se libra de los furibundos ataques del poeta a lo largo de su obra.
Un hombre griego despechado
Seis siglos antes de Catulo y Propercio vivió en Grecia Arquíloco de Paros. Lo más conocido de su obra, conservada muy fragmentariamente, son los versos que escribió contra Licambes y su familia. La tradición nos dice que Licambes prometió a Arquíloco la mano de su hija Neobula, pero rompió después este compromiso y, como consecuencia, Arquíloco compuso hirientes poemas contra Licambes y su familia.
El más conocido de todos ellos es el fragmento 196a, conocido como “Papiro de Colonia”. En él se narra un encuentro entre el poeta y una muchacha joven, hermana de Neobula, con un diálogo entre ambos. El poeta manifiesta su rechazo a Neobula y justifica su desprecio con las peores acusaciones contra una mujer: su edad, la pérdida de su virginidad, su apetito sexual descontrolado y su deslealtad.
No obstante, son evidentes las diferencias respecto a los últimos temas de Shakira: la voz poética es masculina, la ruptura se debió a la intervención del padre de la muchacha y sus acusaciones buscan la deshonra de la muchacha y de toda su familia. Con el ataque a Neobula el poeta pretendía, además, seducir a la joven con la que mantiene el diálogo, lo que finalmente consiguió.
Los nombres que aparecen en estas composiciones –Licambes, Neobula, Anfimedo– han sido interpretados como “nombres parlantes”, es decir, no serían los nombres reales de las personas mencionadas, sino nombres que significan cualidades (o defectos) de las mismas para evitar identificarlas por su nombre, si es que estas personas efectivamente existieron. Pero esta es otra cuestión.
Las canciones de Shakira, tanto BZRP Session #53 como otras anteriores que forman parte de este mismo ciclo, son autobiográficas y contienen alusiones explícitas que permiten la identificación. En esta última canción, y aunque no se trate de nombres parlantes en sentido estricto, la cantante utiliza juegos de palabras (calambures) para referirse a personas sin nombrarlas (“perdón que te sal-pique”, “clara-mente no es como suena”).
Videoclip de ‘BZTP Session #53’, de Shakira y BZRP.
La Shakira romana
Roma nos proporciona algo único en la Antigüedad clásica: la voz de una mujer despechada que critica a su antiguo amor. Ella se llamaba Sulpicia y vivió hace más de dos mil años, en la segunda mitad del siglo I antes de nuestra era, durante la época del emperador Augusto. Pertenecía a una importantísima familia de la élite romana: su padre, Servio Sulpicio Rufo, fue un gran jurista y senador romano que llegó a ser cónsul en el año 51. Sulpicia se quedó huérfana de padre a una edad temprana y fue criada por su tío, un notable comandante militar y patrón de las artes.
En sus poemas, Sulpicia relata su relación amorosa con un tal Cerinto, otro de esos “nombres parlantes” cuya identidad desconocemos. En un momento dado, ella cree que él le ha sido infiel y le lanza sus dardos de un modo que recuerda a la canción de Shakira: ¿Vas a comparar a una cualquiera, dice Sulpicia, conmigo, que soy hija de un cónsul?
Qué bueno que confíes tanto en mí que no concibas
que de pronto tropiece, inexperta, malamente.
¿Prefieres tú una toga y una puta manoseada, con canasto,
El amor y el desamor han sido los grandes temas de la poesía y de la música a lo largo de la historia. Cuando hablamos de amor también somos grecorromanos: los motivos amatorios que ellos desarrollaron están por todas partes. Shakira ha actualizado estos motivos dándoles claramente su toque personal. Somos herederos de los clásicos, le pique a quien le pique.
63.758.315 millones de visualizaciones de la Music Sessions #53 de Bizarrap y Shakira en un solo día en el canal oficial compartido por ambos, mas los millones de visualizaciones de los numerosos YouTubers que desmenuzaron, analizaron e interpretaron la letra de la ultima canción de la cantante colombiana, que probablemente rompió todos los récords de You Tube de visualizaciones en un día.
En el plano personal, Shakira tuvo una primera relación con Antonio de La Rúa, hijo del entonces Presidente de la República Argentina, Fernando de La Rúa. Aunque hubo una propuesta de matrimonio, esta nunca se concretó, y tras meses de rumores de separación, esta se concretó en Agosto de 2010 tras 10 años de relación, si bien Antonio continuó siendo su manager hasta que en 2012 se denunciaron mutuamente ante la justicia.
Posteriormente, durante la Copa Mundial de Fútbol de 2010, llevada a cabo en Sudáfrica, comenzó la relación sentimental de la cantante con el futbolista español Gerard Piqué, confirmada por esta el 29 de marzo de 2011 vía Twitter. La cantante y el futbolista cumplen años el mismo día (2 de febrero), aunque con 10 años de diferencia.
Shakira y Piqué tienen dos hijos, Milan que cumple en Enero los 10 años, y Sasha, nacido también en Enero de 2015 por lo que cumplirá 8 años.
Como es sabido, Shakira se separó de su marido, el conocido futbolista del Futbol Club Barcelona, Gerard Piqúe, tras una separación dolorosa y cruenta. El 4 de junio de 2022, Gerard Piqué y Shakira confirmaron su separación después de doce años de relación. Tras días de especulación y dudas sobre los diferentes motivos de la ruptura de la pareja, en un comunicado conjunto confirmaban la decisión de separarse. En noviembre de 2022, la expareja confirmó que llegaron un acuerdo sobre la custodia de sus hijos, quienes vivirán en Miami a partir del 2023. El 1 de diciembre se reunieron para ratificar dicho acuerdo.
Esta es una resumida historia en prosa de la vida en pareja de Shakira y Gerard Piqué, y es una historia de, amor a primera vista, con un fuerte enamoramiento y mucha felicidad por ambas partes en un principio, en el que las numerosas ausencias del jugador trajeron consigo la soledad y los celos de la cantante, que la llevó a la monotonía y al desamor, que posteriormente tras la separación, y el que su exmarido ya tenga nueva pareja, transformó el desamor de la cantante en el despecho que dio contenido a sus mas recientes y mas exitosas canciones.
El caso es que esta historia se puede seguir en verso a través de las canciones de la cantante, y las hay para cada etapa de la vida amorosa de la cantante, tal y como se puede comprobar cuando se repasan las letras del cancionero de la artista:
Creo que en la creación musical, todos los compositores plasman su estado emocional y su experiencia vital no solo a la letra de las canciones que componen, sino a la melodía propiamente dicha. Esto es así para todos los géneros, desde la Opera o la Zarzuela, hasta el Rap o el Hip Hop, y creo poder afirmar que el tema mas tratado en la creación musical es precisamente el amor y el desamor. Shakira es una mujer fuertemente pasional y que cuando se enamora, se entrega totalmente al amor, por lo que ha de ser muy fuerte la influencia que su estado pueda tener en su persona y en su estado emocional, y eso lo traslada a la música y lo explica en las letras de sus canciones. En realidad casi se podría hacer un musical sobre el amor y el desamor con las letras y la música de sus canciones, tal y como hizo el Grupo Abba al crear su musical Mamma Mía.
En los últimos años desde que Shakira comenzó a residir en España, ha sido investigada por posible evasión fiscal desde 2011. El ministerio de Hacienda español confirmó que Shakira defraudó 14,5 millones de euros, entre los años 2011 y 2014, deuda anteriormente pagada. La deuda está liquidada, pero la cantante esta acusada por la Fiscalía de cometer un delito de fraude por el que solicitó una pena de 8 años de cárcel, y que está en espera de ser resuelto por el Juez encargado del caso.
Su exmarido, Gerard Piqué también está acusado de fraude a la Hacienda Pública, al haber detectado traspasos de 4,4 millones de euros a cuentas en el paraíso fiscal de Andorra, procedentes de las comisiones recibidas desde Arabia Saudí para hacer lobby para llevar la Supercopa Española de Futbol a ese país.
Creo que jamás en la historia de la música, una canción como Music Sessions #53, lanzada al mercado tal día como el de ayer, tuvo tanta repercusión el la audiencia global, casi 64 millones de visualizaciones en 24 horas, y en España salía la canción en todos los noticiarios de la televisión, tanto en la sección de información general, como en los programas de información deportiva, o en los de entretenimiento. La fama de los personajes y el morbo de la historia mas la calidad musical de la canción resultante, pusieron el resto.
Las críticas se desataron de inmediato y de manera explosiva. Las hay a favor, y las hay en contra, las hay en favor de ella, y otras en favor de él, pero el caso es que ayer mas de 64 millones de personas escucharon la canción atentamente, y las caras de sorpresa de la audiencia se pueden ver en You Tube. Hay quien acusa a Shakira de hacer el ridículo por exponer de esa manera su vida privada, hay quien la acusa de incluir en la historia a terceras personas que no pueden defenderse, e incluso ya hay una persona que acusa a Shakira de plagio en la música de esa canción.
La letra es verdad que es muy explícita, y que la cantante no se deja nada en el tintero. No se esconde en el anonimato, pues se citan nombres, si bien de manera encubierta por el juego de palabras, pero jueguen ustedes mismos, pues esta es la letra de la discordia:
SHAKIRA (BZRP Music Sessions #53)
Bizarrap
(Para tipos como tú)
(Para tipos como tú)
Perdón, ya cogí otro avión
Aquí no vuelvo
No quiero otra decepción
Tanto que te las das de campeón
Y cuando te necesitaba
Diste tu peor versión
Sorry, baby, hace rato
Que yo debí botar ese gato
Una loba como yo no está pa' novato'
Una loba como yo no está pa' tipos como tú,
Pa' tipos como tú,
A ti te quedé grande
Y, por eso, estás con una igualita que tú,
Esto es para que te mortifique'
Mastique' y trague', trague' y mastique'
Yo, contigo, ya no regreso
Ni que me llores ni me supliquе'
Entendí que no es culpa mía que te critiquen
Yo solo hago música
Perdón que te sal.....Pique
Me dejaste de vecina a la suegra
Con la prensa en la puerta y la deuda en Hacienda
Te creíste que me heriste y me volviste más dura
Las mujeres ya no lloran, las mujeres facturan
Tiene nombre de persona buena
Clara....mente, no es como suena
Tiene nombre de persona buena
Clara....mente
Es igualita que tú,
Pa' tipos como tú,
A ti te quedé grande
Y, por eso, estás con una igualita que tú,
Del amor al odio hay un paso
Por acá no vuelva', hazme caso
Cero rencor, bebé
Yo te deseo que te vaya bien con mi supuesto reemplazo
Tras leer en Medium el artículo de Victor Murcia titulado Making Music From Images With Python, se me encendieron todas las luces de la imaginación que se pusieron a trabajar de inmediato, pues el tema que Victor propone, es un tema sumamente apasionante, y da para elevar la imaginación a cotas impensables hasta hoy, pero a la vez plantea serios dilemas en lo que respecta al valor del arte y a quien se debe de atribuir en mérito de la obra final, y en que cuantía.
Si lo vemos desde el punto de vista económico, hagamos un ejercicio: imaginemos que se descubre un segundo retrato de una mujer parecida a la Gioconda pero que no es ella, y que este se atribuye a Leonardo da Vinci, pero que después se descubre que ha sido creado y pintado desde la obra pictórica almacenada en datos del artista mediante un software de IA: ¿Como lo dividimos? ¿Un 70/30? ¿un 30/70? Porque la obra resulta que tiene un altísimo mérito artístico equivalente al de su creador-pintor original, y el cuadro pudiera a su vez estar expuesto en el Louvre en la misma sala, pero ¿tendría el mismo valor económico en el caso de que este fuera realizado en parte o en todo por la IA? ¿Cual sería este, y cuales serían sus porcentajes? Recordemos que el arte es el mayor valor refugio existente hoy en día, y el único que siempre está al alza, nunca se deprecia.
Y ya puestos a imaginar el futuro del arte humano/IA, puesto que mi mujer pinta cuadros, ¿sería muy caro hacerse con uno de esos maquinas pintoras de IA? ¿Ocuparían mucho espacio? porque mi casa es pequeña...
Es muy interesante y divertido que a uno le propongan temas tan interesantes como el que Victor Murcia nos propone. Estimulan la imaginación, la cual forma parte muy importante del proceso creativo. Casi diría que hay tema para una novela de ciencia+ficción.
La Trama sería la siguiente: En diversos lugares del mundo y sucesivamente, van apareciendo cuadros que analizados por los expertos son atribuidos a pintores famosos. En Taiwan apareció un Matisse, en Manila dos cuadros atribuidos a Goya, el Helsinki aparece un Velazquez, mientras que en Escocia descubren dos cuadros atribuidos a Van Gogh, y en España se notifica la existencia de un nuevo Picasso. Todos aparecen en el periodo de un año.
Ivestigaciones HOLMES, por encargo de la National Galery que sospecha que hay algo raro en la súbita aparición de estas obras, inicia una investigación mundial sobre la aparición de esos cuadros, que han revolucionado el mercado del arte, para intentar descubrir su origen y reconstruir su historia, porque hay grandes sospechas de que algún experto en IA pueda estar detrás de estos descubrimientos que estarían dando lugar al mayor fraude de la historia del arte.
En sus investigaciones descubren de que un programador quantico aficionado al arte puede estar detras de esta historia, y que con él colaboran un reducido grupo de conocidos y expertos marchantes de arte que le ayudan a colocar las obras realizadas con IA a cambio de enormes sumas de dinero, y que finalmente son detenidos, tras haberle asestado un golpe mortal al mercado del arte, que ha perdido su capacidad de valor refugio, pues ya nadie se fía de él.
Pero regresemos al proceso creativo con la ayuda de la IA. Victor, músico por afición y químico-físico por formación y docente de profesión nos cuenta en su artículo que tuvo la idea de crear un programa que pudiera hacer música a partir de imágenes.
La idea básica, según nos describe Victor, es la siguiente:
Las imágenes están hechas de píxeles.
Los píxeles se componen de conjuntos de números que designan el color.
El color se describe a través de espacios de color como RGB, BGR o HSV
El espacio de color podría dividirse en secciones.
Las escalas musicales se subdividen en notas a través de intervalos de sonido.
El sonido es vibración, por lo que cada nota está asociada a una frecuencia.
Por lo tanto, la subdivisión de un espacio de color podría asignarse a una nota específica en una escala musical.
Esta nota tendría entonces una frecuencia asociada a ella.
Con estas premisas, se pone inmediatamente a la tarea de intentar de generar canciones a partir de imágenes que (en su humilde opinión) suenan bastante bien. Como resultado tenemos composiciones como Water Song, Catterina Song (dedicada a su gata), Nature Harmony Combined, Peacock Song (Canción del Pavo Real compuesta a partir de la imagen anterior), y muchas otras, cuyo sonido está en su artículo, sonidos que son muy rítmicos y que suenan bien. Son una especie de música New Age evolucionada que abre la puerta a infinitas posibilidades, para una nueva tecnología capaz de convertir en sonidos imágenes que pueden ser paisajes, retratos o cosas.
Imaginemos ahora un paisaje natural que se conserva intacto, pero que con el tiempo, y como resultado de la explotación y de la contaminación se va deteriorando. Mediante esta tecnología se puede transformar en música sucesiva el deterioro de este paisaje, mediante un proceso de feísimo musical agregado por el paso del tiempo que se podría apreciar mediante la audición de la música resultante de esta transformación. Añadiría un valioso archivo sonoro al archivo visual de la transformación por el deterioro, y que tendría un alto valor apreciativo.
Ni que decir tiene que mediante esta tecnología de IA se puede cometer un fraude similar al descrito anteriormente para el arte pictórico. Podrían componerse nuevas canciones atribuibles a los Beatles, o de Jimmy Hendrix, o de Jorge Negrete. Habría mucho trabajo para Investigaciones HOLMES y para otros prestigiosos bufetes de investigación. Tal vez Hercules Poirot, Miss Marple y Pepe Carbalho podrían unirse a la tarea de destapar el fraude causado por la IA en diferentes ámbitos, y aún así, serían insuficientes.
Y dejemos a un lado el debate que suscitaría el saber a quien atribuir los derechos de autor del creador de la obra, sea escrita, musical, pictórica o escultural, pues en todo en parte, puede haber atribución a la IA, y las sociedades gestoras de estos derechos están al acecho, pues además hay muy poca legislación al respecto.
Y hasta aquí da (de momento), de si mi imaginación, y lo dejo en este punto, porque me voy a preparar un Martini Blanco Seco, con una aceituna y agitado (que no revuelto) al estilo del Agente 007 James Bond, del MI7 británico, pues el tema ha sido declarado de interés nacional por el Gobierno Británico y le ha al prestigioso agente encargado la tarea de ponerle punto final a esta historia, pero sin licencia para matar (Victor: tu, tranquilo).
Artículo dedicado a Victor Murcia, también escritor y compositor además de lo anteriormente expuesto, cuyo espléndido artículo disfruté leyendo y escuchando, y que me mostró un nuevo mundo de posibilidades para la creación artística con la IA.
Toda la vida, desde que era niño, escuche música de todo tipo, gracias a que en mi casa había afición a la música. Mi padre tenía allá por los 60´s, una buena colección de vinilos de 33 , 45 y 78 RPM, con un buen amplificador, un buen par de baifes, un tocadiscos estéreo, y un gran magnetófono de bobina en el que mi padre grababa la música, especialmente la que emitía RNE Clásica en FM estéreo, todos ellos de la marca Telefünken. Clásica, boleros, música orquestal y música ligera era lo que le gustaba a mi padre y era lo que yo escuchaba en mi niñez.
En 1962 Phillips saca al mercado el primer reproductor de casetes y pronto se populariza este soporte gracias a su portabilidad. Poco después, en 1965 es cuando yo en mi adolescencia inicio mi propia colección musical. En España empezaban a surgir los primeros grupos de música pop, y los primeros cantantes de música ligera. Los Brincos, Los Sirex, el Duo Dinámico, Raphael empezaba con sus primeras canciones, etc.
En las salas de fiestas había actuaciones en directo que convocaban a un gran número de asistentes. Comenzaron a aparecer las primeras tiendas de discos, y la música se convirtió en un negocio millonario para las discográficas. Mis primeras compras fueron en esa época, casetes y vinilos se empezaron a acumular en las estanterías, hasta que de nuevo Phillips en 1982 sacó el primer Compact Disc o CD, que permitía escuchar la música en formato digital, se suponía que con mas calidad.
Dejé entonces de comprar casetes, y prácticamente vinilos y comencé a coleccionar música en CD. Hasta la fecha, mi colección musical es de unos 500 vinilos, mientras que de los casetes me deshice mas adelante, porque aguantan mal el paso del tiempo y se pierde la grabación. Ahora tengo unos cuantos cientos de CD´s, un autentico capital invertido en música.
El siguiente paso fueron los reproductores de mp 3, que unidos a unos auriculares permitían disfrutar de la música en cualquier momento, en cualquier lugar, y sin molestar a nadie. La música pasó a ser entonces un acto intimo, en el que solo estabas tu y tu música, aislados del resto del mundo. La musica iba donde ti ibas y te acompañaba. Adios a los vinilos y a los casetes.
Vino entonces Steve Jobs a presentarnos el iPod en el año 2001, aparato que adquirí a principios de 2002 y que aún conservo y utilizo, que tenía una capacidad de 5 Gigas, lo que permitía grabar miles de canciones y que cabía en el bolsillo de la camisa, reproduciendo la música con una gran calidad. Pensé entonces que era el avance definitivo, craso error porque el mundo no para y todo se puede mejorar, incluso los iPods, que tuvieron sucesivas generaciones, tamaños y capacidades.
Digitalicé la mayor parte de mi discografía y la guarde en un disco duro y en iTunes. Pero entonces empezaron a surgir nuevos formatos de CD´s de alta calidad: los conocidos Super Audio Cd, los menos conocido formatos como los Super Discs de Monster Music, el formato de JVC conocido por las siglas XXRCD, el HDAD 24/192, el HDCD de Reference Recordings, el Extended Audio Disc de EMI Records, el Dual Disc que por un lado contenía la grabación en audio y por el otro en video, o el DVD Audio, y ya mas adelante las grabaciones musicales en el formato DVD Video y en Blue Ray. Entonces comencé de nuevo adquirir grabaciones en estos formatos hasta recopilar unas 200 grabaciones, muy difíciles de conseguir, pues muchas de ellas vinieron de los EE UU o de Japón, porque en Europa era casi inexistentes hasta la llegada del DVD.
Pues todo este esfuerzo, casi podría decir que resultó inútil al aparecer la música en Streaming. En 2006 inició su actividad Spotify que pronto se popularizó, y un año mas tarde de nuevo Steve Jobs se marca un tanto con el lanzamiento del iPhone, ya podía entonces prescindir del iPod porque llevaría mi música en el teléfono móvil, bien en la memoria, o bien en aplicaciones de música en streaming.
Tenía iTunes, que era la base de mi colección musical en el teléfono y en el ordenador, y tenía Spotify, que me permitía organizar la música, por temas , estilos o cantantes. Ademas el streaming se fue perfeccionando mejorando notablemente la calidad, especialmente la ofrecida por Apple One, lo que satisfacía mis exigentes necesidades de calidad.
Hoy Mónica Mena publica en Statista los datos de como hoy escucha la gente música, lo que nos da una idea de como ha evolucionado el sector y el personal disfruta de la música.
El dato es asombroso. El streaming, incluyendo aquel financiado por publicidad, supuso en 2021 cerca del 70% de los ingresos generados por la industria de la música grabada a nivel mundial, mientras que los soportes de audio físicos representaron algo menos del 20%.
Los datos de la Global Consumer Survey de Statista también muestran que los CDs y otros formatos físicos tienen un nicho de adeptos reducido, al menos en comparación con su tamaño anterior. Según la encuesta, la proporción de entrevistados en España que nunca escucha música en soporte físico es del 74%, una cifra incluso comparativamente baja, como muestra el siguiente gráfico. En China, por ejemplo, el 87% de los encuestados evita la música en formato físico. También en Brasil, México, Francia y Estados Unidos la proporción supera las tres cuartas partes.
Entonces, ¿hemos llegado al final del camino? Desde Luego que no. Creo que la próxima parada está en el metaverso. La realidad virtual y la realidad aumentada nos han de proporcionar nuevas formas del disfrute de la música. Ya no será solo la escucha de las canciones, ni siquiera el poder visualizar las performances de los artistas en video, bien sea a través de plataformas como YouTuve o Vimeo.
El futuro como digo está en el metaverso, que podrá proporcionarnos una experiencia totalmente inmersiva. No estamos hablando solo una experiencia mucho mas potente en el disfrute de una actuación musical, estamos hablando de un negocio enorme, capaz de generar ingentes cantidades de ingresos, gracias a su poder de convocatoria y a su atractivo.
Una de las primeras iniciativas de conciertos en el metaverso se dio en Fortnite. Parece sideral la cifra de 12 millones de asistentes a un solo concierto que ofreció Travis Scott en esta la plataforma, y que decir de los 27,7 millones de asistentes en la serie de 5 conciertos celebrados en Fortnite, lo que le permitió recaudar mas de 20 millones de dólares. Para que nos demos una idea, durante la gira Astroworld que Scott emprendió entre 2018 y 2019 por 56 ciudades de Estados Unidos y que duró cuatro meses, recaudó aproximadamente 53,5 millones de dólares. Establezcan entonces la diferencia en lo que a la capacidad de recaudación se refiere.
Vemos como MTV crea los primeros premios para los conciertos en el Metaverso, como aparecen las primeras salas virtuales de conciertos en el metaverso. Virtual Voyayers es una compañía española que está detrás de Horizon Venues, la plataforma de Meta para los conciertos en el metaverso.
En otra plataforma, en este caso Roblox, vemos como Pull&Bear, la marca de moda joven del Grupo Inditex patrocinó el primer concierto de Nicki Nicole celebrado en España. Son muchas las posibilidades que tiene el metaverso, y no solo para los artistas, también las empresas están buscando sinergias que se puedan entremezclar y que mejores la experiencia visual y sensorial de los espectadores. A moda y la música, sin ir mas lejos, siempre fueron de la mano en los desfiles. El mundo empresarial está comenzando a apreciar las posibilidades que la realidad virtual les ofrece, las grandes corporaciones, como Facebook, Apple o Google están invirtiendo mucho dinero y esfuerzo en su desarrollo, y no han de pasar muchos años, hasta que nos veamos inmersos en un nuevo mundo de realidad virtual.
En el siglo pasado, solo había tres actores en el mundo de la música: los artistas, los promotores de conciertos y actuaciones, y las discográficas. Hoy se ha dado entrada a dos actores mas, ambos muy poderosos. Hablamos de las empresas publicitarias, y de las empresas que necesitan anunciarse. Ambas son capaces de generar beneficios mucho mas grandes, inimaginables en los tiempos pretéritos. Ese dinero está llamando a la puerta del sector, y todos los intervinieres van a querer participar de la nueva fiesta de la música, y quien puede hacer esto posible tiene un nombre: Metaverso.
El crecimiento de la afluencia del público español a los diversos festivales de música que se celebran durante todo el año, pero especialmente en los meses de verano, –alrededor de 3,5 millones de personas acuden a uno cada año– ha llamado la atención de los grandes inversores, muchos de los cuales han abandonado sus inversiones en otros sectores ante la alta rentabilidad de este tipo de eventos en directo, y han empezado a invertir en el sector grandes cantidades de dinero. El reclamo es que en España se celebran alrededor de 1.000 eventos en directo, que atraen a un buen número de visitantes internacionales, en su mayoría británicos.
Mapa de la concentración de Festivales en España
España es uno de los países mas visitados del mundo. En 2019 recibió mas de 83 millones de personas. Los turistas extranjeros que llegan a España durante la temporada de verano, no solo vienen por nuestro buen tiempo, nuestra cultura y nuestra gastronomía, también vienen para acudir a alguno de los festivales de música nacionales, y en ellos se gastan una media de 430 euros, según el Anuario de la Música en Vivo. Unas cifras nada desdeñables, teniendo en cuenta que en muchos de los casos el alojamiento está incluido -en un camping- dentro de la propia entrada al recinto del festival.
¿De dónde obtienen las empresas organizadoras de festivales de música su millonaria facturación?
La venta de entradas es el ingreso más evidente en este negocio. Este importe es muy variable, dependiendo del tipo de evento, pero el coste medio por entrada se sitúa alrededor de los 90 euros. Según Ticketmaster, durante el año pasado se incrementó en un 116% el número de turistas extranjeros que asistieron a festivales y macroconciertos en España. Un dato relevante es el de la subida en el precio de los abonos en los últimos años, con un incremento medio del 8,3%.
Pero además de la venta de entradas, los festivales de música obtienen grandes beneficios de otras actividades, como la venta de bebidas y comida, el patrocinio de las marcas que quieran promocionarse entre los asistentes, las acuerdos con empresas que montan un camping para los espectadores, o las que prestan servicios de autobuses que conectan el recinto del festival con el centro de la localidad donde se organice, y con las localidades próximas, etc.
Según la Asociación de Promotores Musicales (APM), en el año 2021, el sector ingresó 157 millones de euros con casi 1.000 festivales de música organizados en España, son cifras que están lejos de los 382,5 millones de euros ingresados en 2019, lo que que supuso un 55% menos que en ese año y tan solo una mejora del 13% respecto el año en el que comenzaba la pandemia, 2020.
Los excesos de la publicidad en los festivales
Otra de las grandes fuentes de ingreso para los promotores de los festivales, son los ingresos por publicidad. Los festivales de verano tienen en el marketing uno de sus principales pilares. En este sentido, muchas marcas comerciales conocidas han sabido aprovechar el filón y publicitar sus productos en festivales o utilizar la simulación de contextos festivaleros en sus anuncios.
Pero los asistentes a los festivales se quejan del excesivo peso de la publicidad en estos. Cuando los festivaleros más militantes critican el exceso de publicidad en los recintos, se le suele responder que esas campañas son imprescindibles para mantener bajos los precios de las entradas, pero la realidad es que estos ingresos les sirven para engordar los beneficios que obtienen.
La sobredosis publicitaria en nuestros festivales es de tal calibre que no solo preocupa a los puristas, sino también a los ejecutivos de agencias, que consideran que entre tanta saturación de logotipos su inversión pierde fuerza, creando un efecto de saturación y rechazo en el consumidor potencial. “Estoy de acuerdo. Hace unos pocos años, era sencillo relacionar a un festival o incluso un equipo de fútbol con su patrocinador principal. Ahora son tantas las campañas se introducen en el entramado publicitario, que resulta muy complicado para una marca destacar entre todas.
Supongo que a los directivos les cuesta resistir la tentación de un nuevo patrocinador que llega con un cheque, pero también es innegable que el aumento de presencia corporativa no ha servido para controlar los precios de las entradas”, admite. “Quizá los directores de festivales deberían ser más honestos en su discurso y explicar que el lucro es la motivación central de su actividad”, ironiza.
¿Cual es el impacto económico de los festivales en la economía?
El impacto económico total estimado en nuestro país alcanza los 5.600 millones de euros, concentrando Cataluña en 44%. Solo los diez principales festivales tienen un impacto que supera los 400 millones de euros.
¿Cuál es el presupuesto medio de un festival en España?
El presupuesto medio para montar un festival en España está en torno a los 640.000 euros.
¿Cuántos espectadores mueven al año?
En 2022 se cuenta con superar la cifra de 6 millones de asistentes a los Festivales.
¿Qué volumen de empleo suelen generar?
Varía mucho en función de la importancia del festival, de su duración, pues los hay que duran un solo día ha varios días; depende también del numero de escenarios del festival, pero se puede decir que se crean una media de 130 puestos directos y unos 230 indirectos.
¿Cuál es el peso tienen patrocinios y subvenciones?
Varía mucho en función del peso y la categoría del festival, pero puede estar en torno a un 11% para el patrocinio por parte de empresas e instituciones, y un 7 % para las subvenciones con dinero procedente de los presupuestos de las administraciones públicas.
Los informes de impacto económico, muchas veces sirven para orientar a los ayuntamientos a la hora de decidir la cuantía de las subvenciones que les otorgan. Festivales como el Primavera Sound, Sónar y Festival Internacional de Benicàssim cuentan con un cincuenta por ciento de público extranjero. Una parte de esa clientela foránea recurre a paquetes turísticos que se compran en el país de origen; otros realizan parte de su consumo a través de empresas de Silicon Valley (Uber, Cabify, Airbnb), además de que la promotora del festival (pongamos Live Nation) puede ser una marca extranjera (Benicàssim pasó por manos británicas y fondos estadounidenses han comprado porciones importantes de Sónar y Primavera Sound).
¿Cuánto dinero se suele dejar un festivalero en su festival favorito?
Depende también del festival, de los servicios que este preste, y de la duración del mismo. En los mas grandes, los asistentes se pueden dejar una media de unos 100 euros por día, o 500 euros de media por festival al que asiste.
¿Cuánto dinero realmente se queda en España por cada festival?
Hay demasiadas variables para poder calcular una cifra, pues no hay nadie que pueda medir con exactitud el dinero que se dejan los extranjeros pues hay de todo, aunque hay algunas estimaciones sobre la media. Bien es cierto que parte del presupuesto se queda en la ciudad organizadora. Siempre hay derivadas interesantes para la economía local, especialmente para la hostelería, los hoteles y las tiendas locales. Por otra parte los festivaleros de fuera causan un ‘efecto llamada’ que sirve de reclamo para que el público local y los que proceden de otras localidades se sientan atraídos y acudan al festival. Es el caso del Primavera Sound.
¿Y que pasa con los músicos?
Otros de los afectados por este cuello de botella de festivales están siendo los propios artistas.A la saturación de eventos de este estilo, se suma ahora una situación que ya era inestable de por sí, con dinámicas tóxicas comolos largos y pesados viajes de una punta a otra del territorio para poder tocar en 2 festivales diferentes, en un mismo fin de semana.
Por otra parte, los organizadores de los festivales están centrando sus esfuerzos y su presupuesto en la contratación de grandes artistas, para garantizarse así un gran número de asistentes, y fortalecer el patrocinio de su festival por parte de empresas y las subvenciones por parte de instituciones públicas.
La necesidad de agotar entradas se traduce en ofertas fastuosas para grupos consolidados por un lado y en cheques de supervivencia de 500 € para los grupos emergentes, a los que se les trata como guarnición o relleno por el otro lado. Contratar a los nombres más potentes y a los grupos que están de moda en cada temporada es una gesta que tiene su impronta entre los patrocinadores, y que les influye a la hora de repartir el presupuesto de posibles patrocinios para la temporada siguiente. Las diferencias son abismales y muy injustas a la hora de repartir este presupuesto entre los artistas.
No es viable que un festival de relumbrón, que le está pagando a lo mejor 3 millones de euros a un cabeza de cartel, quiera pagar a los grupos de relleno 500 €, ponga un camerino súper chungo y programe para tocar a las 5 de la tarde cuando nadie escucha, con un sol de justicia.
¿Y que pasa con los trabajadores?
La precarización de su situación laboral ha generado que este año se produzcan accidentes como el ocurrido en junio durante las labores de montaje del escenario del festival O Son do Camiño (Santiago de Compostela), que dejaba 3 ingresados en el hospital, uno de ellos en la UCI.
Al deterioro de las condiciones laborales que ya venían sufriendo desde antes de la pandemia, se suman cuestiones como la escasez de materiales por el aumento significativo del número de eventos que se ha producido este año.
Por otra parte, la concentración de los festivales especialmente en los meses de Junio, y Agosto, y especialmente en Julio ha tenido como consecuencia el que que no haya personal técnico para poder contratar, no haya equipos de sonido de suficiente calidad para cubrir la demanda, teniendo que echar mano de equipos viejos o de dudosa calidad, que no haya material físico suficiente como cables o micrófonos, o que incluso no haya transporte para mover los materiales y el personal.
La cutrez entonces asoma en los escenarios por el horizonte, lo que desprestigia el festival y todo lo que en torno a el se mueve, poniendo en riesgo además la seguridad de instalaciones y público, como se ha visto este año, con los problemas habidos en Son do Camino en Santiago de Compostela, o en el Medusa Festival de Cullera, con un muerto y 40 heridos, por citar solo dos.
Muchos otros han sido cancelados por diversos motivos, como el FanFan Festival de Madrid, o el Festival Diversity de Valencia, cancelado por sus organizadores por no poder garantizar la seguridad de sus instalaciones, o el Madrid Puro Reggaeton Festival, con 40.000 entradas vendidas, que era cancelado 24 horas antes de dar comienzo después de que la Comunidad de Madrid argumentara que la documentación presentada por el evento no reunía los requisitos necesarios en materia de seguridad o el Benás Festival de Huelva, el Reggaeton Beach, que han corrido la misma suerte.
Estas cancelaciones parecen ser ya síntomas de una burbuja que se habría formado en el sector de la música en directo en España, y que vendría motivada por la imposibilidad de haber celebrado festivales en 2020 y 2021, según escribe Ramón Armero en Business Insider.
Es cierto que hay un problema grave de precariedad en el sector. Resulta fácil de justificar, porque la parte central de la actividad económica de un festival ocurre en unos pocos días del año. Esta precariedad se está cimentandosobre la pérdida de dinero por parte de los promotores de festivales. Si en eventos en los se presupone que deberían entrar 30.000 personas, finalmente solo han entrado 10.000, no se han cubierto los gastos para nada. Entonces lo de contratar los camareros en otro país como Portugal a los que se les paga con salarios mas bajos, mientras que al mismo tiempo se reciben subvenciones de tu autonomía o del ayuntamiento, es difícilmente defendible.
¿Y Cual es el futuro del sector?
En el corto plazo, el sector parece estar en la antesala de una burbuja que en cualquier momento puede estallar, lo que obligará a su recomposición hacia un nuevo equilibrio. España no tiene capacidad para absorber tanta oferta festivalera, y tan concentrada en prácticamente dos meses del año. Muchos de los festivales se irán cayendo del calendario festivalero por no poder sobrevivir. Los patrocinadores terminarán poniendo su dinero selectivamente en aquellos que les dan mejores garantías de recuperar su inversión.
Los demás tendrán serias dificultades para obtener patrocinios importantes. Las Instituciones públicas tendrán que ser mas cuidadosos con sus aportaciones de dinero publico a los patrocinadores. Una ciudad no pasa a ser una ciudad de segunda por carecer de su festival. Puede tener otras cosas que atraigan a los visitantes. Los forofos festivaleros serán mas exigentes a la hora de elegir a que festival asisten.
A largo plazo, parece ser que el futuro de los festivales apunta mas hacia el metaverso y la realidad virtual. Por parte de los artistas, ya hay pioneros que están explorando las posibilidades de esta nueva forma de hacer llegar su música de manera masiva. Pero con la vista puesta mas allá del horizonte, en el futuro puede que los festivales se convoquen en el metaverso. Plataformas como Roblox, Meta o Fortnite ya están explorando el terreno e invirtiendo grandes sumas de dinero.
Una de las primeras iniciativas se dio en Fortnite. Parece sideral la cifra de 12 millones de asistentes a un solo concierto que tuvo Travis Scott en esta la plataforma, y los 27,7 millones de asistentes en la serie de 5 conciertos celebrados en Fortnite, lo que le permitió recaudar mas de 20 millones de dólares. Para que se den una idea, durante la gira Astroworld que Scott emprendió entre 2018 y 2019 por 56 ciudades de Estados Unidos y que duró cuatro meses, recaudó aproximadamente 53,5 millones de dólares. Establezcan entonces la diferencia en lo que a la capacidad de recaudación se refiere.
Otros artistas como Polar, que es la cantante digital del momento están revolucionando las redes. Este año ha conseguido llegar a los 4 millones de asistentes en un festival virtual, y eso es oro para los posibles patrocinadores, que ya le tienen puesto el ojo a este tipo de convocatorias. A esta nueva realidad ya empiezan a sumarse una buena cantidad de artistas de renombre, como Ariana Grande o Marsmello.
David Guetta en cambio solo obtuvo la cifra de 906.000 asistentes a su concierto virtual en Meta, que no esta nada mal, si lo comparamos con la asistencia a un concierto presencial; menos aún obtuvo Young Thug que solo convocó a 125.000 asistentes el pasado 5 de Enero en su concierto virtual, cifra similar a la que puede caber en un estadio. Estas diferencias puede que tengan que ver con el hecho de que los conciertos se ofrezcan en realidad virtual 2D, o en 3D con 360º de campo de visión.
A esta nueva realidad aún le queda camino por recorrer antes de que se convierta en un negocio real, pero todo hace prever de que si se consolida, su gran poder de convocatoria, la posible gratuidad porque los beneficios para los promotores vienen de los patrocinios y la publicidad, puede que hagan que los recursos de los inversores se dirijan hacia la música en vivo a través de la realidad virtual.
